LEONARDO DA VINCI
La Gioconda
Es conocido también como La Mona Lisa, es considerado no solamente el cuadro más famoso que tiene el pintor, sino que además, se cree que es el más famoso del mundo. Adquiriendo fama no solo por la belleza del cuadro sino también por las interrogantes que generan curiosidad entre los que la admiran.
Fue robado del Museo del Louvre por el pintor italiano Vicenzo Perrugia, apareciendo dos años mas tarde, en Italia.
Es una obra pictórica de Leonardo da Vinci. Traduciendo su nombre al español como alegre. Existen varias hipótesis sobre la identidad de la modelo, siendo la más acertada la de la esposa de Francesco Bartolomeo del Giocondo, que era un banquero napolitano, llamada Lisa Gherardini, una dama florentina.
Esta realizado en óleo sobre tabla de álamo, pintado en el año de 1503 y 1519. Ha sido retocado varias veces por el autor. Es uno de los ejemplos en donde se logra de forma perfecta la técnica de Da Vinci, el sfumato.
El cuadro se encuentra en el Museo de Louvre, con altísima seguridad, que costó 6 millones de dólares. Se cree que en vida, el pintor Leonardo se cambiaba siempre de domicilio, llevando en sus hombres el cuadro de La Mona Lisa.
Uno de los detalles curiosos del retrato de la dama es su sonrisa, y su mirada. Así como el paisaje en perspectiva que ocupa el fondo de la imagen. Las cejas y las pestanas se han ido eliminando por cada restauración hecha. Ya que se tiene una referencia de las mismas, realizada por Vasari.
El hombre de Vitrubio
Es uno de los dibujos más famosos de Leonardo Da Vinci, que se encuentra rodeado por notas anatómicas. El dibujo es de una figura masculina desnuda en dos posiciones sobreimpresas de brazos y piernas e inscrita en un círculo y un cuadrado. Representa un estudio de las proporciones del cuerpo humano, ya que Da Vinci estaba muy interesado en el estudio del ser.
“El pintor con su dibujo corrige algunas proporciones y añade otras: Cuatro dedos hacen una palma, cuatro palmas hacen un pie, seis palmas hacen un codo, cuatro codos hacen un paso, veinticuatro palmas hacen a un hombre. Si separas las piernas lo suficiente como para que tu altura disminuya ¼ y estiras y subes los hombros hasta que los dedos estén al nivel del borde superior de tu cabeza, has de saber que el centro geométrico de tus extremidades separadas estará situado en tu ombligo y que el espacio entre las piernas será un triangulo equilátero. Desde la parte superior del pecho al nacimiento del pelo será la séptima parte del hombre completo. Desde los pezones a la parte de arriba de la cabeza será la cuarta parte. La anchura mayor de los hombros contiene en sí misma la cuarta parte. Desde el codo a la punta de la mano será la quinta parte. Desde el codo al ángulo de la axila será la octava parte. La mano completa será la decima parte. El comienzo de los genitales marca la mitad del hombre. El pie es la séptima parte. Desde la planta del pie hasta debajo de la rodilla será la cuarta parte. Desde debajo de la rodilla al comienzo de los genitales será la cuarta parte. La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y, como la oreja, una tercera parte del rostro. La distancia desde la parte inferior de la barbilla a la nariz y desde el nacimiento del pelo a las cejas es, en cada caso, la misma, y como la oreja, una tercera parte del rostro.”
Fue el autor, junto con otros, del descubrimiento de las proporciones matemáticas del cuerpo humano. Es uno de los grandes logros del Renacimiento.
La Última Cena
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Esta obra de Leonardo Da Vinci, es un gran elemento representativo de la Biblia cristiana.
Fue realizada en 1495 y 1497, se pintó sobre una pared, en el refectorio del convento dominico de Santa Maria delle Grazie en Milán. No es un fresco tradicional, sino más bien es considerado un mural ejecutado al temple y óleo sobre dos capas de preparación de yeso.
Se dice, según historiadores del arte, que es una de las mejores obras pictóricas del mundo.
Leonardo era consciente de la obra que iba a realizar y por ello decidió hacer diferentes proyectos antes de esta magnífica pintura, que lo absorbió por completo hasta que logró acabarla. Cuentan que se sentaba en los andamios con su pincel en la mano, mirando y analizando su obra, muchas veces dejaba de comer y beber para seguir pintando, y otras pocas, subía al andamio y se bajaba sin haber pintado absolutamente nada. Tardó más tiempo del que requería una pintura al fresco, por esta razón, decidió usar una técnica diferente, que le permitiese tomarse su tiempo. La obra fue acabada después de algunos años.
El prior llamó al duque para que se comunicara con el pintor, ya que su forma de trabajar no le parecía correcta. Aunque él supo responderle al duque que está ultimando detalles y que le falta encontrar las caras de Salvador y Judas, las que buscaba por la calle.
Algo que hacia Leonardo era observar modelos del natural, algo que no se hacía en aquella época, pues se copiaban de algunos anteriores.
Piedad del Vaticano
Es una escultura de bulto redondo, realizada por el artista Miguel Ángel, esculpida en mármol de Carrara, dejando reflejos de luz en ciertas zonas,
es una escena que representa el momento en el que la Virgen, una Virgen joven, bella y piadosa, muestra del renacentismo, que no deja ver sentimientos de dolor, recoge en su regazo el cuerpo de su hijo muerto, quien aparenta ser de mayor edad que la madre, tras el descendimiento de la Cruz.
Es una composición triangular, que le da estabilidad a la escultura, con suaves movimientos hacia la derecha como el de los paños, el cuerpo o la mano de Cristo; que es contrapesado por un suave contraposto de la cabeza de la Virgen y un gran paño que cierra la escultura por la izquierda. Estos son factores que aportan con equilibrio y armonía a la obra a la que Vasari se refirió que es una obra que no le falta nada ni le sobra nada. Es perfecta.
Es una obra clásica del Renacimiento de mayor expresión. Un dato curioso es que el mármol de Carrara es cortado por bloques, y de ese bloque el artista sacaba su composición. No es una escultura por piezas que son pegadas entre sí. Factor, que dificulta aún más el trabajo.
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Esta obra de es considerada como una de las pinturas más representativas de la historia del arte. Juicio Final constituye uno de los ejemplos muy claros de escultura y pintura de Miguel Ángel, expresiones de terribilidad, de fuerza interior, de carácter, la gran musculatura y los escorzos que caracterizaban al artista, están presentes en todas sus figuras desnudas, lo que produjo gran polémica a nivel de las autoridades religiosas, el papa decidió pedir a otro artista para que las vistiera.
En el centro del mural tenemos como personaje principal a Cristo, con una actitud desafiante y enojada. Quien está dividiendo a los justos de los pecadores. Junto a el María, quien se muestra temerosa, y escondida detrás de Cristo. Varios santos los rodean por todas partes, pintados sin perspectiva, los hay inquietos, asustados y temerosos, visten los complementos que los caracterizan o los objetos con lo que fueron mártires.
Se representó un ángel menos que en la Biblia, 7 ángeles con trompetas, libro de la vida y el de la muerte, otros en cambio llevan la cruz, la corona de espinas y los clavos, además de la columna donde lo flagelaron.
Un dato curioso que podemos observar en el mural es a San Bartolomé con su pellejo en la mano, el rostro del pellejo es el autorretrato de Miguel Ángel.
David de Miguel Ángel
Es una de las esculturas más famosas de todos los tiempos. Está realizada en mármol blanco, entre los años de 1501 y 1504. Encargo de la Opera del Duomo de la Catedral de Santa Maria dei Fiori de Florencia. Tiene un estilo renacentista de Cinquencento.
Varios escultores fueron tomados en cuenta para hacer la escultura, ya que anteriormente la Catedral de Florencia planteó junto con otras personas, la construcción de varios personajes del Antiguo Testamento. Solo dos de estas esculturas habían sido construidas por Donatello y Agostino di Duccio, quien intentó hacer una escultura del mismo tamaño que la de Miguel Ángel, de David, pero estropeó el bloque de mármol de Carrara, otro que tampoco tuvo existo fue Antonio Rossellino, estos artistas abandonaron la obra, con muchas fracturas y a medio realizar. De esta forma emprendieron una búsqueda para realizar el David, uno de lo artistas que encontraron fue Miguel Ángel a quien le entregaron la obra 25 años después de que la abandonara su ultimo escultor. La terminó en dos años a partir de su entrega, y la instalaron en la Piazza della Signoria, dándole un valor más civil que religioso.
El rey David está representado como atleta, en su madurez y plenitud de su vida; momentos antes de la batalla con Golliat de manera que dista de diferentes representaciones de David, en la que su cabeza se encuentra posada sobre sus pies. Por esta razón, su cuerpo denota tensión, y su mirada es la típica de un luchador antes de su enfrentamiento.
El artista aumenta a la escultura el contraposto, añadiendo a algunas partes del cuerpo masa muscular, lo que simboliza la fortaleza del mismo.
El Triunfo de Galatea
Es una de sus principales obras referentes a la Mitología griega, una de las características principales del renacimiento. Fresco pintado entre los años de 1510 y 1511 en Roma.
La ninfa Galatea es uno de los principales personajes, de la que hay varias historias, una de ellas y la más conocida es cuando es objeto de amor por parte del ciclope Polifemo. En la obra de Rafael podemos observar una mujer semidesnuda que ocupa el centro de la composición, representa el triunfo del amor platónico frente al amor carnal, Galatea se encuentra protegida por delfines con los que cabalga por el mar. Otras criaturas marinas como tritones y nereidas se encuentran formando parte de una escena en la que los cupidos celestes disparan a las criaturas y estas se ven arrebatadas resultando un movimiento dinámico y contrapuesto.
Galatea se muestra con una pose serpentinata y destaca su cabellera rubia ondeando al viento y su manto rojo pompeyano. Su mirada serena hacia uno de los cupidos que guarda sus flechas de amor para la mejor ocasión.
Es una obra en la que la composición equilibrada y armoniosa, delata al autor. Posee una acertada elección cromática y rítmica que va acorde con la escena que quiere representar.
Detrás de Galatea se observan varios centauros que surcan las ondas, llevan las compañeras de Galatea y otras están tocando trompetas y caracolas.
La Resurrección de Cristo
Es también conocida como Resurrección Kinnaird, ya que fue parte de la colección privada de Lord Arthur Fitzgerald. Esta realizada en óleo sobre tabla entre los años de 1499 y 1502. Se cree que pueda ser una de las primeras obras de Rafael Zancio, ya que existen dos dibujos muy relacionadas con la obra pertenecientes al autor, del que se han valido varios críticos para considerar que es autentica y de su autoría.
La obra en la actualidad se encuentra dispersa en varios museos, tras los dannos que sufrió por un terremoto.
Podemos observar que en ella existen referencias de Pinturicchio y muy enlazada con el estilo peruginesco. Hace uso de la perspectiva en el paisaje dibujado en el fondo, así como la marcada composición y geometrizacion de los elementos de la escena, con una peculiar animación rítmica. Se percibe así mismo, una familiaridad de estilos de Bernardino di Betto y Melozzo da Forli. El dramatismo estilístico y compositivo del autor se han presentes en esta pintura.
Está basada en una escena de la Biblia, el Nuevo Testamento, donde se da la Resurrección de Jesús, que es un acontecimiento clave de la doctrina cristiana.
Las figuras son hieráticas, es decir, son majestuosas y con bastante rigidez, también carecen de proximidad y sentimientos de cercanía, siendo la que más sobresale, la figura de Cristo.
Escenifica a Cristo sosteniendo el estandarte de la resurrección al mismo tiempo alzándose sobre el sarcófago en el que se encontraba enterrado, 4 soldados son testigos de este hecho insólito, por el que muchos se encuentran desmayados, inconscientes o espantados.
Después de algún tiempo le encargaron que pinte la resurrección por la noche, pero debido a su muerte pronta, no pudo realizar la obra, lo único que se obtuvo de este encargo son los estudios previos plasmados en dibujos que realizó el autor.
Los desposorios de la Virgen
La obra se realizó en 1504 con temple y oleó sobre tabla, fue un encargo de la familia Albizzini para la Iglesia de San Francisco en la Ciudad de Castello. Se ve el manifiesto de los principios de arte renacentistas del autor donde se muestra la transición entre el Prerrenacimiento y el Alto Renacimiento.
Esta obra recoge todos los avances del Quattrocento para realizar una pintura con una belleza y perfeccion extraña. Posee un gran estilo peruginiano, dicen que la obra se basoo en la celebrada Cristo entregando a San Pedro las llaves, de su maestro Perugino.
El elemento que más destaca del cuadro, es el templo circular al fondo de la escena, lo que demuestra su dominio de la perspectiva. Se muestra una composición circular bien desarrollada, lo que diferencia a Rafael de Perugino quien realizaba composiciones horizontales.
Posee varias características clasistas que lo llevan al renacimiento como son las plantas centrales, las iglesias de Leonardo Da Vinci, los arcos de medio punto, proporciones basadas en el humanismo, accesibilidad e iluminación natural, etc.
El artista juega con la explanada en donde se hallan las figuras, dibujando baldosas que permiten enfocar una proyección del espacio en perspectiva hacia un punto de fuga central, el que se encuentra en la puerta del templo, ayudando a realizar el paisaje del fondo.
Los personajes de la obra se encuentran simétricamente distribuidos, separa los hombres de las mujeres, asi como también podemos observar algunos personajes que se encuentra entre el templo y los del primer plano.
TIZIANO
La bacanal de los andrios
Esta obra fue realizada en óleo sobre lienzo entre los años de 1523 y 1526 por Tiziano, encargada por Alfonso d’Este, como decoración del Camerino de Alabastro del Castillo Ducal. Son dos más las que forman el conjunto de tres pinturas de Rafael: La ofrenda a Venus y Baco y Ariadna, añadiendo también obras de otros autores como El festín de los dioses de Giovanni Bellini, obra que fue terminada por Tiziano debido a la muerte de Giovanni.
Un tema mitológico de la obra de Filostrato y la de Catulo gobierna el cuadro. Una bacanal, fiesta y celebración del dios de vino, Baco que se encuentra en las islas de Andros. Cuenta la historia que la bebida brotaba de un arroyo por gracia del dios Baco.
Esta temática está relacionada íntimamente con la del Festín de los Dioses, dándole Tiziano toques personales como los movimientos, que dinamizan la escena, y la línea ascendente diagonal que va subiendo desde la esquina inferior izquierda hasta llegar al personaje anciano que duerme en la parte superior de la derecha.
Una ninfa aparece desnuda en primer plano, y al fondo se puede observar a Sileno, el acompañante del dios.
Esta obra, escandalizó a la iglesia Católica, pero no a la aristocracia ilustrada, quienes preferían decorar sus salas con temas de la mitología griega, eran amantes de las fiestas paganas. Gustaban de los temas de la Antigüedad Clásica. El autor en esta obra intenta mostrar la sensualidad y la belleza del desnudo femenino en primer plano, dando una actitud erótica.
Venus de Urbino
Es una de las obras más espectaculares que ha podido realizar Tiziano durante la estancia en la Corte de Urbino. Está realizada en óleo sobre lienzo en el año de 1538. Fue encargada por Guidobaldo II della Rovere, hijo del duque de Urbino. Existen dos hipótesis sobre la protagonista del cuadro, se dice que es un regalo nupcial que le hace la esposa al dejar su pubertad. Otra es que se cree que es una cortesana de la ciudad. Pero no se sabe exactamente quién es el personaje principal.
Esta obra es muy curiosa ya que la Venus no se encuentra fuera en la naturaleza, sino que está posando desnuda en el interior de una sala de un palacete veneciano, semitendida sobre un diván tapizado en rojo cubierto con una sábana blanca.
La Venus en primer plano muestra una mirada al espectador con cierta provocación y sensualidad. En su mano derecha tiene sujetas unas flores, y con su otra mano se cubre su pubis.
En el fondo se observa una ventana por donde entran reflejos de luz y leves rasgos de un árbol y una laguna. A lado de la ventana se encuentra dos criadas, una de pie y otra de rodillas, arreglando y colocando ropa en un cassone o arcón que parece simbolizar la caja de Pandora, leyenda que proviene de la Mitología griega.
A los pies de la Venus, se halla un perrito, que hace referencia a la alegoría de la fidelidad, recostado sobre las sabanas blancas, probablemente dormido.
Tiziano se inspiró en la Venus dormida del Giorginone, alejándose del idealismo característico del Renacimiento italiano.
Sus rubios cabellos caen sobre sus hombros, creando una figura de evidente clave erótica. No representa a una figura de una diosa sino de una mujer de carne y hueso.
Flora
Es una obra de Tiziano, en la que quiere resaltar el ideal de la belleza renacentista. La realizó en 1515, en óleo sobre lienzo.
Una prospera mujer, bella y sensual, ocupa el primer plano de la composición del cuadro. Este es uno de las obras que destacan entre muchos de los retratos que hizo el autor a hombres y mujeres. Flora ocupa en su mano derecha unas flores mientras que con la izquierda sostiene el elegante manto color carmesí. La túnica blanca con gran escote, cae dejando entrever parte de sus encantos, la blanca piel del pecho izquierdo. Sus largos cabellos ondulados aumentan su sensualidad.
Esta actitud de la protagonista, genera desconcierto entre los especialistas, pues no se sabe si es una prostituta que está ofreciendo sus servicios o si es una alegoría matrimonial. Al aludir a la mezcla de voluptas, y puditica que caracteriza a la ideología renacentista.
El excelente dibujo realizado por el autor destaca la riqueza de las telas o el detallismo de las flores, elementos que identifican este trabajo con el aprendizaje seguido con Bellini.
La sensualidad de la belleza femenina, la grande cualidad pictórica y el perfecto equilibrio de la composición son elementos determinantes para ser considerado el cuadro, uno de los mejores retratos juveniles de Tiziano. Su fama era tanta, que el gobierno negó a los jóvenes artistas de ese entonces la autorización a copiarlo.
Esta obra actualmente se encuentra en la colección de pintura conservada en la Galleria degli Uffizi.
TINTORETTO
El Lavatorio
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Esta obra es considerada una de las más importantes del pintor Tintoretto. Se realizó entre los años de 1548 y 1549, con una técnica de óleo sobre lienzo. Fue encargada por La Scuola del Santisimo Sacramento para los laterales de la capilla mayor de la Iglesia de San Marcuola de Venecia. Fueron dos cuadros, la ultima cena y el lavatorio.
Representa una escena perteneciente a la Biblia, del evangelio de Juan. Donde el autor quiere expresar con un azul quebrado, un ambiente en el que se avecina una muerte, convirtiendo el espacio en un lugar extraño e inquietante.
Narra la última cena que tuvo Jesús con sus discípulos, se puso una toalla en su cintura y les empezó a lavar los pies. La situación que se refleja es relativamente tranquila pero en el fondo se vislumbra el sufrimiento, la agonía y la muerte próxima.
Nos muestra un ritual purificador, donde Jesús simboliza la humildad en persona dejándonos saber que ellos son los elegidos y que San Pedro es el primer Padre de la Iglesia. Junto con Jesucristo y San Juan ocupan un primer plano, pero llaman la atención directa de los espectadores, ya que se encuentran en el costado derecho del cuadro, con un espacio pequeño comparándolo con las dimensiones de toda la composición.
Al otro costado tenemos a otro apóstol, a quien le merma importancia el autor. Por otra parte varios discípulos se encuentran dispuestos a lo largo de la obra, con los que podemos ver la capacidad del pintor para realizar estupendos escorzos.
Un detalla en la composición es la mesa central, que se encuentra girada en sentido de Jesucristo.
La Última Cena
Es para el autor, su última obra realizada entre los años de 1592 y 1594 en óleo sobre lienzo. Fue encargada por La Iglesia y el monasterio de San Giorgio Maggiore, en una pequeña isla de Venecia. Se encuentra en un muro del presbiterio.
Se diferencia de sus obras por la composición y la iluminación. Trabaja una perspectiva oblicua muy original.
Este tema ya había sido escogido anteriormente por el autor, por ser un clásico en la pintura religiosa católica.
Las figuras humanas parecen abrumadas por la aparición de seres fantásticos. La escena tiene lugar en una taberna sombría y popular y con muy poca luz, de la que Tintoretto logra sacar rayos de luz de las aureolas que iluminan el sitio de una manera extraña que subraya detalles incongruentes.
Es una obra oscura, en la que sobresale precisamente el tratamiento que hace de la luz. Hay dos puntos de luz intensa: uno en alto, a la izquierda, y otra la intensa aureola de Jesucristo. Adquiriendo un tono barroco.
Venus, vulcano y Marte
Las representaciones que se caracterizan por una vehemencia de la acción, desconocida hasta entonces en la pintura veneciana y conseguida mediante violentos escorzos y movimientos exagerados.
Esta obra se realizo en 1555 en Munich, en óleo sobre lienzo.
La mitología griega se hace presente en esta pintura de Tintoretto, Venus y Marte ya habían sido antes objeto de tratamiento por autores renacentistas. Pero lo que Boticelli pintó, que era idealismo neoplatónico, se convirtió en esta obra una representación de una escena domestica de carácter erótico.
Venus esta reclinada con una marcada diagonal desde la parte superior izquierda hacia la zona central del borde inferior, se tiene que decir también que su contextura parece un poco masculina. Ella se encuentra prácticamente desnuda, con un pañuelo de tela blanca tapando su pubis, la que su viejo esposo está descubriendo, su espalda se refleja en un espejo en el fondo de la habitación. Su vigoroso moldeado demuestra la influencia de Miguel Ángel. En una cuna detrás, Cupido duerme. Y bajo la cama se oculta el amante de Venus, Marte.
Se cree que colocaba figurillas de cera a modo de prueba e iluminaba el conjunto.
Podemos observar una gran asimetría en este cuadro de Tintoretto. El pintor lleva la mirada hacia el fondo, a la derecha, haciendo un magnifico uso de la perspectiva del piso que se encuentra decorado con baldosas.
Se apunta a que Tintoretto pudo tomar como modelo la Andrómeda de Tiziano.
DONATELLO
El David
Es una obra de Donatello que realizo entre los años de 1440 aunque algunos Historiadores dicen que se realizó en 1430.
Es una escultura de bronce. Que realizó por encargo de Cosme de Medici, quien quería situarlo en su palacio de Florencia.
Es una obra que debido a su desnudez y a su composición claramente praxiteliana es característica indispensable del clasicismo. Nos muestra una figura como si proviniese del mundo griego. Constituye el primer desnudo de bulto redondo tras la desaparición del imperio romano.
En la escultura de David se representa una figura que aunque sea de carácter religioso, se aleja de este tema para dar a relucir una actitud heroica en el personaje.
David era un humilde pastor que se enfrentó a Golliat, un gigante que medía más de dos metros.
El gigante al ver a David, un joven desprotegido de una armadura se río de el. Pero David usó unas piedras para pegarle en la cabeza al gigante, cayendo al suelo, el joven aprovechó este hecho para quitarle la espada a Golliat y cortarle la cabeza.
La escultura posee un equilibrio entre sus partes totalmente armónico y real. El modelado muscular es prácticamente femenino, por su suavidad con los rasgos. El cuerpo de David no marca tensión, pues la escena se reproduce después de que derrotara a Golliat, adquiriendo una posición relajada, sin tensión, dibujando un claro ovalo compositivo, cerrando las líneas con la espada apoyada en el suelo.
La obra simbólicamente representa una actitud relacionada con las victorias de Cosme de Medici de Florencia contra Milán.
Condottiero de Gattamelata
También conocida como La estatua ecuestre, es una de las primeras y más importantes estatuas ecuestres de todo el Renacimiento. Así mismo es la primera estatua en honor a un guerrero de todo el mundo moderno.
Es una escultura de bulto redondo, es decir se ve de diferentes ángulos. Realizada en bronce y apoyada sobre un zócalo de piedra.
Es un monumento naturalista realizado al condottiero de gattamelata. Representa una escena en donde Gattamelata cabalga pausadamente sobre su caballo, mostrando una actitud serena pero al mismo tiempo Posee una mira desafiante y enérgica hacia al frente. Aunque las facciones del jinete no están representadas de manera real.
Sino más bien como un héroe con gran experiencia y de una madurez alcanzada por las diferentes luchas realizadas. En su rostro se dibuja una expresión abstracta, que deja ver el peso de las misiones que tiene que enfrentar.
Es considerado más que un monumento para glorificar al héroe como un monumento funerario.
Se cree que Donatello se inspiró en la obra de Marco Aurelio de Roma. Es decir, está relacionada con la escultura romana.
La escultura de tema ecuestre no se realizaba en sentido monumental desde la antigüedad clásica. Esta escultura es una de las más influyentes en otras posteriores realizadas por diversos artistas.
El pequeño Profeta
Es una obra realizada en 1407 en mármol blanco.
En la puerta de la Mandorla de Santa María del Fiori, se encuentra esta obra del artista conjuntamente con una obra de Nanni di Banco.
Al realizar una comparación con el profeta de Nanni di Banco se puede diferenciar el estilismo del que carece que se cree que fue por la inexperiencia de Donatello.
El profeta de la izquierda es la obra realizada por el artista. Aunque existen diferentes hipótesis. Una de ellas nos dice que puede ser que la obra de los dos profetas haya sido realizada por Donatello a cambio de unos pagos. Pero se tiene que decir también que en ese momento los dos artistas formaban una asociación, encargados para realizar la decoración de la puerta de Mandorla.
ANDREA VERROCCHIO
El bautismo de Cristo
Es el primer trabajo importante de Leonardo Da Vinci como aprendiz de Verrocchio. Por esta razón algunas partes del cuadro se le atribuyen a Da Vinci como el angel que se encuentra en la parte izquierda del cuadro donde se puede evidenciar la delicadeza de Leonardo, igualmente contó con la colaboración de Boticelli. Es una pintura realizada en óleo y temple entre los años de 1475 y 1478. Encargada posiblemente por la Iglesia de San Salvi de Florencia.
Se dice que Verrocchio al ver la parte realizada por su aprendiz, sufrió una gran decepción ya que sobrepasó su arte. Una anécdota contada por Vitrubio dice que al ver que Leonardo realizó un mejor trabajo, dijo que no iba a volver a pintar nunca más, y rompió sus pinceles.
Los personajes principales no están idealizados, ya que sus rostros reflejan la edad que debían tener, en el caso de Juan se observa un avejentamiento. Las proporciones son clásicas, cierta esbeltez.
En esta obra Verrocchio hace un estudio del cuerpo, anatómico. En el fondo de la obra podemos ver un paisaje natural, dando lugar al Bautismo de Cristo, que se hizo en el rio Jordán. Pero simboliza también, una revalorización de la naturaleza que los artistas toman de los humanistas. Con un mensaje de unión y centro del mundo entre la naturaleza y el hombre. Sin embargo la palmera, le da dramatismo y solemnidad a la escena.
Cristo y Santo Tomás, Orsanmichele
También conocido como la duda de Santo Tomas, representa una de las más importantes obras de Verrocchio, realizada entre los años de 1476 y 1483, en bronce.
En primer lugar esculpió la figura de Cristo y luego la de Santo Tomás. El lugar donde se encontraban las obras fue un nicho en el que inicialmente se iban a exponer obras de Donatello y Michelozzo.
Por lo que se debía tener también en cuenta la arquitectura y el estilo del nicho sin romper con la simetría. Ya que el conjunto de esculturas se encuentra hueca en la parte de la espalda.
El trabajo de los pliegues de los mantos es perfecto, lo que realza la movilidad al conjunto y la expresión se hace presente mediante los pliegues. Podemos observar que el manto de Tomás aparece más agitado, mostrando un estado anímico muy diferente que al de Jesús. El de él, en cambio muestra un Cristo tranquilo, con sus pliegues ordenados, equilibrando mejor los pliegues.
Estas esculturas inspiran de manera única a su alumno Leonardo, ya que se puede observar que el rostro que pinta en su obra La Ultima Cena, de Jesús, es muy parecido y semejante al de Verrocchio.
En esta obra está representada la figura de Cristo que reposa sobre un pequeño pódium, mostrando a Tomas, la llaga del costado, e inquietándolo a introducir los dedos en la misma. Al mismo tiempo se puede observar el brazo derecho sobre la cabeza de Tomás, símbolo de bendición hacia el mismo. Muy semejante a la escena donde Juan el Bautista derrama el agua sobre la cabeza de Cristo.
David
Es una escultura hecha en bronce, realizada entre los años 1473 y 1475. No es de tamaño natural, sino un poco mas pequeño. Fue encargada por la familia Medici que después lo vendió a un municipio, siendo colocado el Palacio Vecchio junto con la obra de Donatello.
Las representaciones de David, el rey israelita, son muy diferentes entre ellas. Verrocchio realiza, a diferencia de los demás, un David con vestimenta guerrera, armado con una espada y con la cabeza del gigante al que acaba de decapitar a sus pies.
Con una actitud de victoria, a pesar de ser todavía un niño, con su mano izquierda a su cadera, marcando la curva praxiteliana, y mirando de frente al espectador con sonrisa triunfante. Su rostro refleja una sobriedad madura para la edad que parece tener la figura.
El traje tiene partes transparentes, lo que deja al autor trabajar parte de la cintura de David anatómicamente. La escultura esta diseñada para ser observada desde todos los puntos de vista. Al compararla con la de dónatelo, nos muestra una escultura menos complicada que la de Donatello.
Verrocchio trabaja muy bien la cabeza de Golliat, dando una sensación de sufrimiento y tristeza dibujados en el rostro del gigante. Trabaja muy bien la barba y su cabello, así como también los gestos.
LUCA DELLA ROBBIA
Tribuna de los Cantores
Es una obra esculpida por Luca della Robbia entre el año de 1431 y el 1438. Fue un encargo de la Catedral de Santa Maria del Fiore de Florencia. Hoy en día se conserva en el Museo de la Opera del Duomo. Delante de la otra cantoría realizada por Donatello, a quien le pidieron que realice una cantoría similar en la sacristía antigua de la catedral de Florencia. Al mismo tiempo que se la pedían a Luca della Robbia.
Es considerada uno de los mejores trabajos realizados en el primer Renacimiento florentino.
Las inscripciones que se observar alrededor de la escultura, son parte del salmo 150, en el que se dice que realizaban alabanzas, danzas y cantos que debían hacerse para el Señor. Simbolizando la relación entre la cantoría y el significado de los relieves.
La cantoría original se encuentra montada en una sala del museo all’altezza. Los paneles que lo acompañaba son una copia.
La parte principal de la Cantoria hay una serie de relieves separados por doble pilastra con capitel. Estos relieves son representaciones que narran las danzas, cantos y alabanzas al señor de una serie de niños.
En la parte de arriba hay dos zonas de cantoría. La zona superior esta diseñada como un sarcófago romano, sustentado por ménsulas. Las cuales están decoradas con hojas de acanto y motivos estilo clásico sustentan la parte superior.
Los casetones de estilo romano decoran la parte inferior del gran modulo superior.
Cúpula Interna de la Capilla Pazzi
Esta obra fue realizada en la Capilla Pazzi, obra de Brunelleschi Filipo.
Se le encargo a Luca della Robbia, diseñar la decoración de la cúpula interna de la iglesia Pazzi.
Muestra una decoracion a base de tondos florales formando circulos concentricos que rodean un gran tondo central con el escudo de la Famili Pazzi.
Seleccionó una cerámica esmaltada para estructurar la cúpula interior, con unas elipses repetidas, aumentando y disminuyendo su tamaño según se acercaban al centro y a lo alto de la cúpula.
La finura del diseño y la frescura hace de este interior uno de los más hermosos del mundo.
Los colores que usó son el blanco y el azul, lo que le daba vitalidad a la obra, que se aumentaba con el colorido esmalte de la cerámica.
Sus obras son sobrias, dando una claridad en los planos y los ritmos, la serenidad que representa con las formas y el color, sensibiliza a quien puede mirarla, dándole luz a la composición.
Moldaduras del Campanile de la Catedral de Florencia
Las moldaduras están hechas en mármol, realizadas en el año de 1437. Se encuentran en el Museo dell’opera del Duomo, en Florencia. Andrea Pisano fue quien dejo las obras sin concluir, entonces fue Luca della Robbia quien tuvo que terminar las moldaduras. El artista tuvo que seguir el modelo de las moldaduras, las que tenían un estilo gótico característico de Andrea Pisano. Aunque se tiene que decir que fue influenciado por los artistas de su época como Jacopo della Quercia, Ghiberti, Donatello y Michelozzo.
Se realizaron cinco paneles hexagonales, se colocaban en la cara norte del Campanile.
Representaban las artes liberales, es decir, la gramática, la lógica, la música, la astrología, la aritmética y la geometría.
En una de las molduras se plasman la aritmética y geometría, en un representación que muestra a Euclides y Pitágoras conversando. Sus figuras muestran la influencia de Jacopo della Quercia.
Otra de las molduras representan la lógica, que según Vasari, el escultor realiza una interpretación de una conversación entre Platón y Aristóteles. Es en esta moldura que se muestra la influencia de Donatello.
El arte liberal de la gramática se encuentra en una moldura que muestra un entorno arquitectónico en el fondo, evidenciando la influencia de Michelozzo. Observamos a Prisciano en una posición de maestro frente a dos pupilos que leen unos libros.
La música representa a Orfeo tocando mientras que es escuchado por un grupo de animales. Se dice que Orfeo tenia tal relación y vinculación con la naturaleza, en especial con las rocas y las piedras que su música las movilizaba. Interpretando este hecho como la aparición milagrosa de la ciudad de Florencia, como efecto de la acción de los dioses y la divina providencia.
La astrología, está ilustrada por la figura de Ptolomeo, es el creador de la teoría Geocentrista, que se basaba en que la Tierra no tenia movimientos, que era totalmente inmóvil y era el centro del Universo. Fue quien creó el horóscopo tal como lo conocemos hoy en día.
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