BRUNELLESCHI FILIPO
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La cúpula de Santa María de las Flores, es sin duda, la más importante de sus obras. Y una construcción decisiva en el Renacimiento.
Brunelleschi ganó el concurso que se realizó con el objetivo de encontrar el arquitecto más idóneo para realizar una cúpula que por sus dimensiones y demás problemas técnicos no se había podido realizar, aunque no hubo un consenso y la construcción quedó en manos de Ghiberti y Brunelleschi, el primero después de burlarse de los planos de Filippo, se dio por vencido, viendo que no estaba en capacidad para realizar la obra, quedando como único arquitecto de la cúpula, Brunelleschi.
Filippo hizo trabajos de investigación aprovechando los viajes que hacía, y en uno de ellos, en Roma, encontró la inspiración para construir la cúpula basándose en la cúpula del Panteón de Roma y otras construcciones de época medieval. Usó una estructura de ladrillos con diseño octogonal y de doble emparedado, por dentro era de forma semicircular y por fuera octogonal, rematada por una linterna, reunió las dos cúpulas en los ángulos utilizando cestillas y cincha la cúpula interior con grandes anillos de madera unidos entre sí con vigas de hierro, a medida que se levantaba, se iba cerrando; convirtiéndose en la primera cúpula con esta forma, construida sin soportes de madera. Tuvo que inventar máquinas para levantar las piedras más grandes, se usaron refuerzos horizontales de hierro y piedra, este hecho marcó el principio del hormigón que hoy en día se utiliza.
La Iglesia de San Lorenzo
Empezó su construcción en 1421 y acabo en 1428, en Florencia.
La planta es en forma de cruz latina muy alargada, tres naves y capillas laterales. Presenta cubierta exterior a dos aguas en la nave central y a un agua en las laterales. La planta en forma de cruz latina hace referencia a la religión cristiana. La familia de los Médicis, fue la que encargó la construcción a Filippo de la majestuosa iglesia, sobre una antigua iglesia románica, que simboliza el poder cada vez mayor de la familia, la que dará lugar a la dinastía florentina. Su objetivo era la construcción de un templo para usarlo como Panteón de su familia, para mostrar así, el dominio que tenían en la capital.
Brunelleschi se inspiró en las primeras Basílicas paleocristianas y los patrones de la arquitectura clásica. Esta fue construida con piedra, y el mármol fue utilizado para los revestimientos decorativos y materiales de relleno en las bóvedas, la armonía, regularidad y simetría se hacen presentes en el edificio. Está constituida por arcos de medio punto que se sostienen por columnas corintias, la nave central está iluminada por óculos. En la Basílica se encuentran amplios espacios sobresalientes de la estructura del templo. Conocidas como “Sacristía Vieja” que fue construida por Brunelleschi, la “Sacristía Nueva” la construyo Miguel Ángel.
Esta obra dio origen a la arquitectura renacentista, claramente se distinguía un nuevo modelo de iglesia, dejando atrás la medieval.
Capilla Pazzi
La Capilla Pazzi en Florencia fue realizada bajo proporciones áureas y formulas geométricas desde su planta y sus fachadas, con lo que consigue una magnifica armonía, esta fue su última obra, no la pudo finalizar ya que murió en 1446; se la encargo Andrea de Pazzi, al igual que la Iglesia de San Lorenzo, su objetivo era: ser construida como recinto funerario de la familia. Esta familia era una de las más poderosas en Florencia.
Ya se toma al hombre como centro del universo, y no a Dios, sus dimensiones son basadas en el humanismo. Filippo hubo de adaptarse al espacio reducido.
Es un Templo de Planta de cruz griega, en el que resalta la cúpula central y el pórtico exterior en el que se eleva un ático que está decorado con pilastras corintias, dividido por el gran arco del centro, coronado en una cornisa ornamentada. El pórtico construido con cinco tramos entre seis columnas de orden compuesto, los cuatro extremos adintelados y el central en forma de arco de triunfo semicircular muy alto y de doble anchura, cubierta por una bóveda de cañón. Brunelleschi fusiona el arco adintelado griego con el arco central de origen romano.
La cúpula de la Capilla está inspirada en los modelos romanos, sus proporciones son casi cuadradas, Brunelleschi y los demás arquitectos renacentistas tenían una gran obsesión por las cúpulas.
LEON BATTISTA ALBERTI
Palacio Rucellai
Esta construcción fue para Alberti, el primer encargo arquitectónico que le hicieron en Florencia. Realizado por Giovanni Rucellai, un miembro destacado de una familia muy ilustre, centrada en el negocio de tintorería de tejidos en la capital.
Está basado en el manual De Re Aedificatoria, el Palacio Rucellai se caracteriza por el prestigio de las proporciones. Alberti se centró en la fachada, que es donde se encuentran las soluciones más novedosas. Construida en piedra, está dividida en tres pisos separados por cornisas con un claro sentido horizontal, no dividen las plantas del palacio, es decir la altura real de las plantas es diferente a la de las cornisas, para armonizar la obra añade pilastras verticales superponiendo en ellas ordenes clásicos, resultando un matiz de luces y sombras.
En el friso de la planta baja se encuentran las armas de los Rucellai conformadas por: tres plumas en un anillo, las velas infladas por el vento y el escudo familia, que se halla también en los blasones encima de las puertas.
Este palacio fue considerado por las familias nobles y de mucho poder en ese entonces, un modelo de residencia señorial.
Al morir Alberti, fue construido por Bernardo Rossellino, quien siguió el diseño de León Bautista Alberti, aunque no se limito a los planos, sino que incrementó las dimensiones originales.
En la actualidad sigue ocupado la familia Rucellai. Y en algunas ocasiones ha sido sede del Museo de Historia de la Fotografia Fratelli Alinari.
Templo San Francisco o Malatesta de Rímini
El templo de San francisco es conocido también como el Templo Malatestiano porque fue encargado a León Bautista Alberti por Segismundo Pandolfo Malatesta, en el año de 1450. Quien ocupaba el cargo de Príncipe de Rímini. Su construcción tenía como objetivo ser un templo para sepultar en esta obra arquitectónica a los hombres ilustres de su pueblo, a su amada y por supuesto su cuerpo. Aunque en los primeros pilares que se encuentran en los laterales del templo, se hallan dos lapidas con inscripciones en griego afirman que el Principe de Rimini, dedica esta construcción al dios inmortal y a la ciudad, es decir, en acción de gracias.
En un principio Alberti decidió incorporar a una iglesia medieval gótica dos capillas en el lado sur. Renovando más tarde, todo el diseño del templo, tanto su exterior como interior.
Segismundo fue derrocado por la religión y por esta razón se realizaron algunos cambios en el diseño, ya que en el modelo original, no existía ningún tipo de símbolo cristiano, ni cruces ni imágenes sagradas, algo que era inaudito en ese entonces. Pero era imaginado por todos, ya que Segismundo era considerado como una persona con intenciones auto-celebrativas y su inclinación neo-pagana.
Alberti quería construir en el templo una cúpula que fuese mayor que la de Santa Maria dei Fiori, ya que representaba la más grande de Italia. Pero no pudo conseguirlo, por situaciones económicas.
El proyecto quedó inconcluso, planteo la fachada principal a modo de arco de triunfo, y para el ábside pretendía construir un redondel cubierto por una bóveda hemisférica.
Fachada de Santa Maria Novella
En el siglo IX un pequeño oratorio era dedicado a Santa María de la Viña, sobre esta construcción, se alzó en 1049 la iglesia de Santa María Novella. La familia Rucellai encargó a León Battista Alberti que diseñará la gran puerta central, los frisos y el complemento superior de la fachada de la Iglesia. La realizó en mármol blanco y verde oscuro, que representaba una tradición constructiva toscana. Terminándola en 1470.
Alberti logró una armonía, equilibrando los elementos góticos de la iglesia con elementos puramente renacentistas. Se inspiró en románico florentino, en específico, en la basílica de San Miniato al Monte, para realizar las incrustaciones bicolores.
Incluyo también dos volutas que permiten salvar la distancia existente entre la nave central y las laterales dando proporción y regularidad a la obra, característica principal del renacimiento. La voluta de la derecha fue recubierta de mármol. Las formas geométricas simples que usa Alberti invitan a meditar sobre las verdades de la fe, idea introducida en las corrientes estéticas neoplatónicas de Florencia. En la fachada también se encuentran arcos de medio punto pertenecientes a la arquitectura clásica.
Acabada la fachada se puede decir que está construida a modo de telón.
DONATO BRAMANTE
Templete de San Pedro in Montorio
Fue una obra arquitectónica encargada por los Reyes Católicos en Roma, para conmemorar la Toma de Granada, el templo está situado, según la Biblia, justo en el lugar donde Pedro fue ejecutado, la frase que dice Jesús “Tú eres Pedro y sobre esta piedra edificaré mi iglesia”. Donato Bramante fue el elegido por Reyes para construir esta obra con gran valor religioso.
Decidió diseñar un templo circular, de planta centrada, alzado sobre un podio y cubierto por una cúpula semiesférica. En el exterior del Templete se encuentra una columnata de balaustrada conformada por un peristilo. Los muros exteriores se hallan hornacinas aveneradas, que se alternan vanos adintelados. Una de sus características es la carencia de elementos decorativos innecesarios y su pureza de líneas por la cual se la considera el manifiesto de la arquitectura del clasicismo renacentista.
Fue construido en granito, mármol, travertino, y sus acabados fueron a base de estuco y revoco. Existen 4 puertas para el ingreso al templo. Dentro, se dispone un altar mayor y debajo de este una cripta que según la tradición, es donde enterraron al apóstol, y fue clavada una cruz.
Esta obra fue la primera del Cinquecento. Por esta obra Donato Bramante fue nombrado arquitecto del Vaticano, creando los primeros planos de una nueva construcción, la basílica de San Pedro. La cual fue concluida por otros arquitectos que realizaron algunas modificaciones en los planos originales.
La Basílica de San Pedro
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Fue construida por Donato, es un templo católico que se encuentra en la Ciudad del Vaticano. Es considerado el mayor templo cristiano en el mundo, y el más sagrado para la religión católica. Su cúpula hace que sea un elemento dominante en el paisaje de Roma. En este lugar donde fue asentada la construcción de la basílica es donde según la tradición católica, fue enterrado el apóstol Pedro. La obra empezó en 1506 y finalizó en 1626.
Es el mayor edificio de su época, y la principal iglesia pontificia, pues en ella, debido a su tamaño, y su cercanía con la residencia papal, se celebran la mayoría de eucaristías por el papa.
El diseño consistió en un edificio con planta de cruz griega, cubierta por cinco cúpulas, la central era la de mayor tamaño que se apoyaba en cuatro pilares. El arquitecto se inspiró en la Basílica de San Marcos y para realizar la cúpula en Panteón de Agripa.
Por la demolición de la antigua Basílica de San Pedro, Bramante fue apodado “el maestro ruinoso”, fue muy criticado por este acto, no solamente por religiosos, sino también por colegas suyos, como Miguel Ángel.
Patio de Belvedere
O conocido también como: Cortile del Belvedere, o Palazeetto o el Belvedere. Fue una de las más grandes obras arquitectónicas desarrolladas en el Alto Renacimiento en el Vaticano.
Donato lo construyo para el papa Inocencio VIII. El papa Julio II le pidió que uniera el Vaticano con Belvedere, y es así como se construyó esta edificación. Fue uno de los últimos proyectos de jardines romanos de Bramante.
El patio estaba dividido por tres terrazas con dimensiones distintas, que se unían por largos pasillos y armónicos tramos de escalera. Está cerrado en sus lados por cuerpos de albañilería ritmados por columnas estriadas, donde se apoyaban grandes arcos, los cuales guían hasta un pórtico con jardines de forma geométrica.
Se inspiró en los palacios imperiales romanos, de donde formo un nuevo concepto espacial. Aunque nunca encontró la perfección tanto como él lo había soñado. Lo que se logró conservar de la idea fue la rampa espiralada que está en la torre y la puerta estilo oriental de la parte inferior.
Donato en el centro de la nueva fachada, hundió con un ábside semicircular abierto el reconocido Nicchione, y descubrió uno de los modelos que se tomarían para construir las escaleras de caracol. La rampa helicoidal en la que anchas columnas, dóricas, jónicas y corintias soportan un pavimento en espina de pez son gradas.
Bramante no pudo ver mucho de su obra construida, pues en 1514 falleció, habiendo quedado edificado solo los cuatro pilares que mantendrían la cúpula central.
ANDREA PALLADIO
Villas Palladianas
Las Villas Palladinas esta ubicadas en la región de Véneto son 24 en total las conservadas y declaradas Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO, aunque muchas de ellas se encuentran en Vicenza. El arquitecto las construyó para las familias más importantes del lugar, aristócratas y burgueses, las usaban para el recreo y descanso de sus propietarios. Además de usarlas como pequeños centros de producción agrícola, para ello estaban rodeadas de campos y viñedos, e incluían almacenes, establos y depósitos para el trabajo del campo.
Suelen tener alas laterales como las barchesse , los que servían como ambientes de trabajo y dividían el área central con la de los trabajadores para que no interfieran estos, en la vida de los propietarios.
Estas construcciones eran más pequeñas que los palacios, que descendían de los castillos, estaban rodeadas por un patio, cerrado por un muro, el cual daba seguridad y protección. En el patio se encontraban la barchesse, palomares, los hornos para el pan, los gallineros, habitaciones para los campesinos y los servidores domésticos. Eran lugares donde se hacía queso y bodegas para exprimir la uva.
Palladio buscó integrar todos los ambientes y elementos de las villas considerando la forma del área disponible que en algunas ocasiones se encontraba delimitada por calles o por cursos de agua. Así mismo el arquitecto en uno de sus libros decía que las villas tenían que estar orientadas hacia el sur de manera que la paja no se pudriera ni se fermentara.
Algunas de sus villas son: La villa Trissino, Gazzotti Grimani, Almerico Capra, Angarano, Caldogno, etc.
Palazzo della Ragione di Vicenza
Es conocido en la actualidad como Basilica Palladiana, en la ciudad de Vicenza. Es un edificio de carácter público, uno de los más importantes dentro de las palacios construidos por Andrea Palladio. En eel se asentaba el gobierno y sus principales administraciones civiles.
El palacio tuvo un derrumbamiento antes de ser reconstruido por el arquitecto, por problemas estructurales. El mentor Trissino recomendó la obra al que en ese entonces era un arquitecto joven, Andrea Palladio tenía que dedicarse a diseñar las loggias exteriores que muestran uno de los primeros ejemplo de lo que vinieron a ser las ventanas Palladinas.
En su fachada presenta arcos de medio punto los que están flanqueados por pequeños vanos adintelados que se encuentran coronados por óculos. Este modelo fue inspirado en los arcos de triunfo romanos.
Andrea Palladio dio a la basilica dos estilos de columnas clásicas. La planta superior está enteramente ocupada de un enorme salón sin soportes intermedios. El revestimiento de la fachado fue realizado con rombos de mármol rosados y amarillos. La Basílica fue un proyecto muy costoso y tomó mucho tiempo construirlo.
Es de dos pisos de elegantes galerías, dotadas de tres espacios expositivos independientes, sede de muestra de arquitectura y de arte de interés nacional e internacional, y actualmente se encuentra cerrado al público por restauración.
Teatro Olímpico
Andrea Palladio diseño el Teatro Olímpico que fue la última obra que realizó el arquitecto, quien con esta edificación fue el precursor de los Teatros cerrado, considerándose primer teatro en el mundo.
El arquitecto después de haber estado viajando, y estudiando la arquitectura Romana, vino con una visión más detallada de la arquitectura clásica y sus de los teatros. Se basoo también en el tratado de arquitectura de Vitrubio y en su personal introspección de las ruinas romanas.
Fue el fundador de la Academia Olímpica, la que pretendía difundir la literatura de sabor erudito y clásico, por lo que sus miembros promovían representaciones teatrales, en las que su fundador realizó escenografías. Después de varios años obtuvieron los derechos para construir un teatro permanente en una vieja fortaleza.
Construyo un área semicircular que encajaba en el teatro de forma escalona como en los teatros grecorromanos, pensando en la visibilidad de las personas que se sentarían en las últimas filas, la cual mejoró mucho, destinada para como área para que se siente el público. La estructura del teatro se levantaría en unos muros construidos con ladrillo revocado, La decoración seria interior de madera, estuco, pintura y yeso, la piedra se emplearía solo en las zonas más sobresalientes.
MASACCIO
Expulsión de Adán y Eva del Paraíso terrenal
Esta obra de Masaccio se basa en la historia de la Biblia en relación con “El Génesis”, donde cuenta que Adán y Eva se dieron cuenta que estaban desnudos y decidieron taparse con un tejido de hojas de higuera, luego fueron expulsados del paraíso terrenal por los querubines y la llamada espada zigzagueante, quienes custodiaban el árbol de la vida. El arco representado en la obra de Masaccio no constaba en la Biblia.
Este fresco se encuentra en la Capilla Brancacci, con esta obra de arte se pretende representar el pecado original y el distanciamiento entre el hombre y Dios. Es muy conocida por su vivida energía y realismo en la escena llena de dolor y angustia, que viven ambos. Eva con un grito melancólico, intenta taparse con sus manos, mientras que Adán, con el vientre contraído, toma aire y sus gestos tristes tapados por sus manos en signo de vergüenza.
Masaccio para pintar a Adán en el fresco debió haberse inspirado en los dioses de la Mitología griega, y de algunos crucifijos hechos por Donatello. Eva seguramente, fue creada por alguna referencia del artista a las Venus púdicas romanas o a Giovanni Pisano.
Tres siglos después de haber sido pintada Cosme III de Médicis, ordeno tapar las zonas intimas con hojas de higuera, aunque tiempo más tarde se decidió retirar la pintura que se había añadido, dejándola tal y como era.
El Tríptico de San Juvenal o Retablo de Cascia
Según Luciano Berti, es una de las primeras obras originales de Masaccio. No consta en la biografia del autor, realizada por Giorgio Vasari.
La encontraron en un pésimo estado de conservación, por esta razón la tuvieron que someter a una restauración urgente y obligada. En el borde inferior de una tabla estaba escrita la fecha de ejecución, el 23 de abril de 1422. La obra se realizo en Florencia, siendo un encargo para el pintor por Vanni Castellani, quien era miembro de una rica y poderosa familia florentina que poseía amplios dominios en la zona. Este personaje tenía un monograma en forma de dos bastones cruzados con una V debajo. Este monograma lo podemos ver en el tríptico.
El tríptico consta de tres tablas, en la tabla central se encuentra una Virgen con el Nino y dos angeles, en la tabla lateral derecha los santos Antonio Abad y Juvenal, en la parte izquierda están los Santos Bartolome y Blas.
Los fondos dorados dotan de cierto arcaísmo a la composición, sin embargo Masaccio intenta introducir elementos típicos del Quattrocento como la monumentalidad de las figuras o la perspectiva. Las líneas de fuga del pavimento de los tres paneles convergen en un punto de fuga central, representado por la mano derecha de la Virgen.
El tríptico se encuentra en la localidad de Cascia, en la iglesia de San Juvenal.
El tributo de la Moneda
Pertenece junto con una serie de obras de arte, al patrimonio pictórico que adorna la capilla de la familia Brancacci en la iglesia del Carmine en Florencia. Esta obra se encuentra a la izquierda de un retablo de la iglesia, de estilo gótico.
En esta obra el artista describe una escena de la Biblia, del Evangelio de Mateo. Representa un episodio de la vida de Cristo, en Cafarnaum, donde le solicitan a Jesús y a sus discípulos el pago del tributo, del impuesto de alcabala para el templo. Ordenando Jesús a Pedro que pesque un pez en el que encontrara la moneda para el tributo que les hacía falta.
Masaccio representa las tres escenas del milagro en la obra en una sola representación.
La primera escena: Jesús esta en el centro del fresco, el cobrador se encuentra de espaldas, extendiendo su mano hacia Jesús. Y él su vez hace el mismo gesto para indicar donde tiene que ir Pedro, repitiendo el mismo gesto el apóstol.
La segunda escena: No se ve en el cuadro, Pedro intenta sacar del pez , arrodillado a la orilla de un rio, una moneda para dársela al cobrador.
Tercera escena: Pedro da la moneda al cobrador mientras que el cobrador también extiende su mano para recibirla, ante un edificio en perspectiva.
Se cree que este acontecimiento pintado por Masaccio significa el nuevo interés del mar en Florencia. Otras de las interpretaciones dice que Pedro, como jefe de la iglesia, es quien debe tratar con el mundo y sus poderes terrenales.
La composición con un fondo de montanas esquemáticas con algunos árboles que se cree que estén inspiradas en las pinturas de Giotto, tiene en su costado derecho un elemento arquitectónico en perspectiva. Este contraste entre la naturaleza y esta edificación hace que la composición se amplíe.
PAOLO UCELLO
La Batalla de San Romano
Se conoce también como la derrota de San Romano, es un tríptico realizado con temple sobre tabla, se conserva dispersas en tres museos: National Gallery de Londres, Galería de los Uffizi de Florencia y Louvre de Paris.
Al parecer este cuadro se pinto para colocarse en el palacio de los Medici-Riccardi.
La Batalla de San Romano, fue un episodio de Florencia, esta lucha se dio entre los florentinos y los sieneses, quedándose con la victoria los florentinos que se encontraban liderados por Nicolás de Tolentino. No resultando ningún muerto durante la batalla.
Paolo Ucello representa tres escenas diferentes en el tríptico.
Puede parecer una obra medieval, por las armaduras de los caballeros y sus largas y pesadas lanzas. Los caballos y las personas parecen estar sacadas de un palo de madera, y aunque parezca una función de títeres, se puede descubrir que el pintor, debido a la fascinación con su arte, quiso proyectar las imágenes como si estas, hubiesen estado talladas y no pintadas. Estaba tan impresionado con la perspectiva, que se pasaba realizando escorzos, como los que plantea en la Batalla de San Romano. En las piezas de armadura en el suelo, las patas del caballo y el guerrero que está en tierra en la zona inferior derecha.
San Jorge y el dragón
Es una escena de una leyenda procedente de Libia, en un pueblo donde se encontraba un dragón que estaba destruyendo el pueblo entero, el dragón vivía en el lago, y lo alimentaban con los sacrificios de ovejas que hacían los moradores para aplacar su ira. Pero un día, se acabaron las ovejas , ya casi no había gente ahí. La hija del rey se encontró con San Jorge, quien le dijo que él le iba a ayudar a capturar al dragón para que dejen de preocuparse por él.
Y así fue, lograron capturar al dragón y lo llevaron hasta la ciudad para que después de que todos hayan sido bautizados, se sacrifique al dragón.
Paolo Ucello creó una atmosfera irreal, que hasta cierto punto puede recordar obras del surrealismo. Que se deja ver en una de las características de Ucello, en este caso en la tormenta que se ve en el fondo del cuadro.
En la obra se vuelve a ver la inclinación por realizar figuras escorzadas, y perspectivas irreales.
La iglesia católica reconocía a San Jorge como el arma de Dios, y su caballo blanco representaba a la iglesia. La lanza era un instrumento que era otorgado por Dios, para acabar con los pecados del mundo, representada en la obra por el dragón. Se lo puede relacionar con San Miguel, ya que los dos se encuentran matando a un dragón o demonio con una lanza de metal.
El Condotiero
También conocido como Giovanni Acuto, es un fresco que realizó el pintor para la catedral de Florencia, convirtiéndose en su primera obra maestra. Fue su primer encargo monumental que consistía en pintar el retrato ecuestre del capitán inglés John Hawkwood, de aquí viene el nombre de la obra, pues los florentinos llamaban al capitán Giovanni Acuto.
En esta obra, una vez más, pone en práctica sus conocimientos de perspectiva, introduciendo la técnica del escorzo, que mas gustaban al autor. Lo ejecuta en solo tres meses, y pone su rúbrica en la parte inferior del cuadro.
La figura del condotiero es esplendorosa, y de gran tamaño, así como también bien definida. Lo que más gusta de la obra es el escorzo del cofre situado sobre una ménsula. No hay duda de la capacidad de dibujar en perspectiva del pintor, lo que da en sus cuadros un toque de excentricidad y singular originalidad, debido a pronunciados efectos de profundidad.
Es este uno de los cuadros que nos reafirma que Paolo Ucello consideraba a la perspectiva su amante más dulce.
La obra es monocromática, y se puede observa que el fresco simula ser una escultura, y empleo dos perspectivas diferentes, una para la base de “la escultura” y otra para el caballero y el caballo. Hace uso también del claro oscuro que se proyecta en el caballo y el caballero.
FRA ANGELICO
La Virgen de la Humildad
Esta obra realizada por Fra Angelico la realizo en su periodo de madurez, perteneció a la colección del rey Leopoldo I de Bélgica. Esta virgen de grandes proporciones define al pintor. Su sencillez compositiva con la que presenta el tema, no es excusa para que el autor aplique en esta tabla los preceptos más innovadores vigentes en la pintura florentina del momento.
Representa a la Virgen María adorando a su hijo Jesús junto con dos ángeles en la escena. Usa un tapiz que decora el fondo de la obra, siendo un elemento común de la Iconografía de la época.
Su vestimenta está adornada con geometrizaciones de color dorado, que dan la sensación de ser telas tejidas, terciopelos y damascos, considerado un lujo mundano que también era utilizado para realzar un ámbito sagrado.
El artista usa en esta obra, algunos recursos ya representados en otras obras, como es el paño de honor, los que aumenta la profundidad con sus pliegues. Las flores que usa también están llenas de simbología, pues se conoce a las azucenas como flores de pureza en particular de María. Al igual que las rosas blancas y rojas que nos hablan de la Pasión que tendrá que afrontar su hijo Jesús.
Según Fra Angelico sus pinturas eran instrumentos de la Teología. Las figuras del pintor van más allá de la edénica inocencia, la beatitud, la serenidad y la fe en la salvación del alma, sin expresiones de malos sentimientos, violencia o gestos forzados y actitudes exageradas.
La anunciación
Es una pintura en temple sobre tabla entre 1430 y 1435, fue encargada para el convento de Santo Domingo de Fiesole en Italia.
Esta escena que parece estar pintada en el cielo, según dijo Vasari, representa la anunciación tal como fue narrada en el Nuevo Testamento, En el fondo de la imagen se observan dos siluetas que representan a Adán y Eva, quienes fueron causantes de que la Virgen encarnase al niño Dios.
Después de haber pasado por varias manos, la obra se encuentra establecida en el Museo del Prado en Madrid. Siendo una de sus obras más relevantes y conocidas.
La escena se desarrolla en un pórtico abierto de mármol blanco con arcos de medio punto que descansan sobre finas columnas blancas. Uno de los elementos que llaman la atención en el pórtico es un medallón de Dios Padre en grisalla. Con la llegada del ángel, deja su libro en su regazo para prestar atención al ángel. En el ángulo izquierdo de la pintura podemos observar las manos de Dios y de ellas sale un rayo de luz que cae sobre la cabeza de la Virgen, que simboliza al espíritu santo.
La expresión de María está llena de arrepentimiento y sumisión, es decir, esta escena representa el principio y el fin del pecado, los primeros padres y la salvación del hijo de María.
Esta obra de arte muestra la transición entre el estilo gótico y el renacentista.
El beso de Judas
Esta obra la realizo en una de las celdas del convento de San Marcos en 1450 en temple sobre tabla, para figurar esta escena de la Biblia del Evangelio de San Juan. En el beso de Judas Iscariote, se centra la composición, que aparece con una aureola de color mas oscuro que el resto.
A la derecha de Jesus se encuentra los tres apostoles que estuvieron presentes en la traición, Santiago, Pedro y Juan. A la izquierda de Jesus, están los soldados caídos por la presencia de Jesus y acompañados de los sacerdotes. Representa la obra con un fondo naturalista, como en algunas obras anteriormente realizadas. La gradación de la luz refuerza la sensación de profundidad en el cuadro.
El nacimiento de Venus
Esta obra fue pintada en 1483 y 1484, es una de las más representativas del artista Boticelli. Está realizada en temple sobre lienzo. Es un tema tomado de la obra de Las metamorfosis de Ovidio. Se cree que fue encargado por Lorenzo de Pierfrancesco de Medici, para adornar la campiña florentina. Aunque luego se determino que fue encargada por otra persona.
Según cuenta la historia, La diosa del amor nació de los genitales del dios Urano, que habían sido lanzados al mar, por su hijo Cronos, después de habérselos cortado.
La escena representada por el artista es la llegada y nacimiento de la Venus, que se encuentra sobre una concha abierta, que contempla su delicada desnudez, la cual fue empujada hasta la orilla con la ayuda de los dioses alados, entre una lluvia de flores. Una hora, diosa de las estaciones le ofrece una capa con motivos florales. La guirnalda que lleva la hora simboliza el amor eterno.
Sus cabellos largos y dorados cubren parte de su cuerpo, fue impulsada por dos dioses, el del viento y la de la brisa que simbolizan la unión de la materia y el espíritu.
A su alrededor caen flores que según la leyenda se convertirán en seres.
Botticelli imita la postura de una diosa llamada Venus Púdica, y de una antigua estatua romana. Los mitos de Botticelli convierten estos temas en alegorías de carácter religioso, didáctico y moral.
Primavera
Una de las obras maestras de Sandro Botticelli, estaa realizado en temple de huevo sobre tabla. Encargada por Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni.
Representa a la Venus que se encuentra adornada con flores, por la llegada de la primavera. Es una obra altamente ilustrativa de la iconografía y forma clasicista, por su introducción de dioses clásicos casi desnudos y a tamaño natural. Esta obra posee un profundo significado filosófico.
Al igual que la obra “El nacimiento de la Venus”, es de cultura humanística y neoplatónica. El ambiente del cuadro intenta representar a una atmosfera de fabula mitológica en la que se celebra una especie de rito pagano, que posee elementos sugestivos eróticos que se elevan a una espiritualidad refinada y melancólica, como Céfiro persiguiendo a Flora. Es aquí donde se rompe con la pintura religiosa cristiana.
El artista vota por un formato monumental, con 9 personajes pintados en tamaño normal, hace hincapié a los detalles con piezas de orfebrería, como el casco y la empuñadura de la espalda de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias.
La primavera es una obra que se ha sido interpretado también en términos musicales. Botticelli posee los conocimientos de sus predecesores como la perspectiva, anatomía, construcción de la imagen humana, movimiento. Sin embargo, no los usa como podría, marcando el principio de la crisis de la cultura florentina de finales del siglo XV. Esta crisis de la fe en el hombre y su poder absoluto.
Minerva y el Centauro
O también conocida como Palas y el Centauro, otra obra de Sandro Botticelli, basada en la mitología griega y considerada como una obra pagana y profana, es decir, que no tiene relación con la religión cristiana, sino que son escenas mitológicas. Es un cuadro realizado al temple sobre tela en el año de 1482 y 1483. Encargo realizado por Lorenzo di Pierfrancesco de Medici.
Empieza a trabajar en varias de sus obras, estando la de Minerva y el Centauro incluida, después de finalizar un trabajo en la Capilla Sixtina. Teniendo mucho vinculo con el mecenazgo de los Médicis y sus ideas neoplatónicas. De esta manera Botticelli se convierte en un humanista más con un gran interés por los debates que se plantean en Florencia en ese entonces. Al igual que Marsilio Ficino y Picco della Mirandola.
Esta obra fue realizada para la boda de Lorenzo Il Popolano o tal vez para las de su hermano Giovanni, por esta razón, el cuadro tiene un mensaje matrimonial, entendido como la belleza femenina que doma la fogosidad masculina. Las obras de Boticelli no eran tan apreciadas en esos tiempos, muestra de esto tenemos la aparición del cuadro en el desván del Palacio Pitti de Florencia.
El fondo de la pintura se muestra desnudo, lo que nos permite centrarnos en las figuras principales que son la Minerva y el Centauro.
El Centauro ya sobrepasado los límites, internándose en territorio prohibido. Tiene un aljaba y arco. Este personaje mitológico y lujurioso, mitad hombre, mitad caballo, es controlado por una ninfa guardiana armada con un escudo que le cuelga del hombro y una alabarda, y le ha cogido por los cabellos. Esta mujer es Palas Atenea, quien es la diosa de los artesanos.
Lamentación sobre Cristo muerto
El Cristo muerto es una obra que pertenece a Andrea Mantegna, una de las más reconocidas del autor.
Realizada en oleo sobre tela, que se encuentra en la Pinacoteca de Brera de Milán. Se pinto entre los años 1457 y 1501, debió haber sido en la etapa de madurez del autor.
Esta obra muestra una escena de Cristo muerto, tendido sobre una losa de mármol cubierta con una sabana blanca, y en su costado derecho dos mujeres contemplando su muerte.
Este es uno de los escorzos, considerado el más difícil, violento, audaz e innovador de la historia de la pintura. Sin embargo, otro de los factores importantes de la obra es el estudio de los pliegues de la manta que se encuentra sobre el cuerpo de Cristo, que lo cubre parcialmente.
La escena tiene un fuerte contraste de luces y sombras, y transmite sentimientos de sufrimiento y la desolación, estos sentimientos se acentúan con la perspectiva que nos muestra el pintor. Quien nos da la sensación de estar en frente de los pies de Cristo. Por esta razón se distorsionan sus detalles anatómicos, de manera especial el tórax. La tonalidad del cuadro va conjuntamente con el significado de la obra.
Otro de los detalles que genera sorpresa es la posición de los genitales de Cristo en el cuadro. Ya que ocupan el centro de la obra misma.
A un costado, una lámpara de aceite simboliza, que el entierro del cuerpo está próximo.
Óculo fingido
Es también llamado, Cámara de los Esposos, realizado entre 1471 y 1474. Es una de las partes de la Camara de los Esposos más conocida de Mantegna.
Con esta obra causo revolución y sorprendimiento de todos quienes pudieron ser testigos de sus hazañas pictóricas. La característica del renacimiento, era una de los dominios propios de Andrea Mantegna, quien lleva hasta llegar a un punto extremo con sus perspectivas y su nueva concepción de modelado. Tiene una inspiración clasicista, por sus conocimientos y su afición por el coleccionismo arqueológico.
Este encargo consistía en decorar la sala de los esposos del Palacio ducal de Mantua. Iba a contar con la realización de esta obra, con un buen salario mensual, la manutención de seis personas, gastos pagados del viaje, etc. Representando en la obra todos los miembros de la familia Gonzaga y de su Corte, como objetivo político y también para enriquecer su entorno cultural. Es por ello, que Mantegna fue contratado, ya que era conocido por ser un pintor modernista y dar toques brillantes en sus obras.
Con la finalización de la obra, que terminó a la altura del pintor esperada por todos, se convirtió en la habitación más bonita del mundo y también la familia alcanzaba el más alto prestigio político de la época.
Se denomina óculo fingido porque en realidad no existe ninguna cúpula en el techo de la sala. De esta forma Mantegna engana a la vista de quienes aprecian la obra, dando una perspectiva ilusoria y realista a la vez, tomando como referencia el punto central de la sala. Nos muestra también un juego de perspectivas diferentes. En el techo una perspectiva vertical, mientras que en las paredes se ve una perspectiva horizontal.
San Sebastián
Es el tema de tres pinturas de Andrea Mantegna, realizadas en diferentes perspectivas que caracterizan al autor. Siendo complemento para su San Jorge. Representa la belleza ideal masculina y la moda de los caballeros cristianos en todos los momentos del arte cristiano.
Mantegna vivió en una época en donde las pestes estaban a la orden del día, se creía que estas eran propagadas a través del aire. San Sebastián, herido por flechas, era considerado el protector de la peste. Además de ser vecino de la iglesia de San Sebastián.
San Sebastián era el único santo de ese entonces, además de Adán, que podía ser pintado y representado desnudo y es por esta razón que los pintores volcaban sobre él, el canon de belleza física.
Se cree que fue realizado después de la peste que adquirió el pintor, como símbolo de agradecimiento al protector. Aunque probablemente fue encargo del Podestá de la ciudad para celebrar el fin de la peste. Fue concluida antes de que Mantegna dejara la ciudad de Mantua.
La escena de San Sebastián de la obra, se refiere al Libro de la Revelación. Un jinete se divisa en una de las nubes en el fondo del cuadro. Es interpretado como Saturno el dios grecorromano, luego fue identificado con el tiempo, dejaba destrozado todo detrás de sí.
Andrea Mantegna logra dejar a un lado los sentimientos lacerantes al igual que sus heridas representadas en San Sebastián, su cuerpo traspasado por fechas, apenas sangra y no provoca repulsión.
BIBLIOGRAFIA:
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